电影配乐的概念
在进行电影制作的时候，有一条公理需要牢记：
对话让我们理解电影，音效让我们听到电影，但配乐让我们感受电影。
作曲家George S. Clinton曾经说过，配乐家戏剧性地诠释了一部电影，并以音乐的方式表达出来。
作曲家是将故事情节转化为音乐的翻译者。电影本身与其说是音符，不如说是音符中流漏出的情感。配乐师要做的就是为观众提供特定场景的正确的情绪支撑，但和音乐会不同的是，配乐师需要在各种限制下工作，包括作品的持续时间，与导演的沟通，荒谬的截止日期等等。
但从根本上说，电影配乐与音乐会音乐的最大区别是形式，很多电影配乐跟浪漫主义晚期创作的交响乐相比较，就不像是和谐的语言，单独拎出来根本不符合审美。
想要使电影配乐有审美，需要与对应的画面同步，用强拍或者新的音乐部分强调重要的戏剧时刻，配乐师必须围绕画面创作他们的音乐，遵循所有的曲折。
当然例外也是存在的，说这些的目的是让作曲家意识到好莱坞电影音乐存在的这些概念，而不是用它们给作曲家带上手铐，你需要把自己学习的东西看做工具，而非规则。
电影配乐的背景
在电影配乐的制作中，背景永远是关键，永远不要做看上去非常不和谐的选择。一般来说，相机与拍摄对象之间的距离越远，音乐就越“大”，也就是我们俗称的长镜头。比如说从直升机或者无人机拍摄的山景，这时候通常匹配大量的乐器和较大的音量。特写镜头则是相反，相机距离拍摄对象越近，音乐往往就越小，就比如拍摄某个人写信的特写，这种场景下使用“大”声音是不合适的，单凭直觉你也可以看出，这种镜头需要很“小”的声音。
电影配乐的内景外景
和长镜头与特写镜头的区别类似，室内镜头和室外镜头的音乐大小也有差别。因为外部场景非常适用长镜头，这种情况下可以承受非常“大”的音乐。但是当从外部镜头切到内部镜头时，音乐会缩小。比如说在电影《侏罗纪公园》（约翰威廉姆斯配乐）中，角色们乘坐直升机前往一个岛屿，你会注意到，当镜头在直升机外部时，音乐往往就很大，你可以听到铜管乐和完整的管弦乐队，但是当镜头切回到直升机内部时，配乐迅速变小，在短短三分钟的场景里，这种变化发生了好几次。如果电影中是较为安静的时候，那你的配乐也要变得柔和，
音乐和对话是要相辅相成的，决不能相互竞争。只要配合好的话，你也不用担心音乐太小而听不到。
电影配乐的收尾
通常一段音乐的收尾有三种方式：
硬切、渐弱、硬切加渐弱。如果要表现强烈的冲突或者鲜明的情绪变化，就需要硬切，也就是配乐以短促而重音的强拍结束，或者渐强之后进入突然的沉默。
但是大多数时候，一段音乐的结尾会用渐变来结尾，渐弱的部分通常由最后一个音符或和弦组成，持续时间很长，然后逐渐消失。渐弱使得音乐的退出不会被观众注意到，帮助他们沉浸在故事中。
有时候，电影配乐也会用硬切和渐弱结合的形式来结尾，使用这种技术的优点是：强调特定的情绪，同时允许音乐不显眼地淡出。这时候需要引入另外一个概念，叫做同步点，音乐在屏幕上移动，或者强调特定时刻的点被称为同步点。大多数情况下，同步点的位置决定了特定情绪的形式。
此外同步点还分为硬同步点和软同步点，
硬同步点是需要出现在特定帧上的点，通常用于更有活力和更有力量感的动作，如爆炸、拳击和图片剪辑等；相反
软同步点是不必精确到特定帧上的，给了作曲家一些灵活性，因为音乐的重点可以发生在一系列帧或者几秒钟内，通常适用于更微妙和低调的动作，例如转头、演员台词结束、亲吻等。
总的来说，理解电影配乐的机构，对于成为更加出色的电影配乐师至关重要，形式是区分电影音乐和音乐会音乐的基本元素。
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